Искусствоведение Подписные издания

"Энциклопедия русского авангарда" является первым систематическим сводом материалов по истории и теории авангардного движения России, датируемого авторами 1907-1932 годами. Это издание станет самым полным и масштабным трудом, систематизировавшим историю русского авангарда. Три тома энциклопедии (тт. I и II - биографии, т. III - История, теория) охватывают авангард в широком контексте: живопись, графику, фотографию, скульптуру, архитектуру, театр. Авторы-составители "Энциклопедии русского авангарда" - Василий Ракитин и Андрей Сарабьянов - искусствоведы, авторы ряда монографий и статей об искусстве русского авангарда. Уникальность Энциклопедии заключается в масштабе проведенной научной работы: в издании представлено более 1 500 живописных и графических работ художников из фондов Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, других музеев и частных собраний. Энциклопедия включает в себя более 1 000 статей, в работе над которыми приняли участие 169 авторов-искусствоведов, более 70 российских и зарубежных музеев, 2 архива литературы и искусства, владельцы частных коллекций и галерей. В процессе работы над изданием был сделан ряд научных открытий: найден ряд ранее неизвестных художников авангарда, собран материал о малоизвестных художниках. Предназначенная в первую очередь для профессионального сообщества, энциклопедия рассчитана и на широкий круг читателей, интересующихся историей русского авангарда, студентов художественных ВУЗов, любителей искусства.

"Энциклопедия русского авангарда" является первым систематическим сводом материалов по истории и теории авангардного движения России, датируемого авторами 1907-1932 годами. Это издание станет самым полным и масштабным трудом, систематизировавшим историю русского авангарда. Три тома энциклопедии (тт. I и II - биографии, т. III - История, теория) охватывают авангард в широком контексте: живопись, графику, фотографию, скульптуру, архитектуру, театр. Авторы-составители "Энциклопедии русского авангарда" - Василий Ракитин и Андрей Сарабьянов - искусствоведы, авторы ряда монографий и статей об искусстве русского авангарда. Уникальность Энциклопедии заключается в масштабе проведенной научной работы: в издании представлено более 1 500 живописных и графических работ художников из фондов Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, других музеев и частных собраний. Энциклопедия включает в себя более 1 000 статей, в работе над которыми приняли участие 169 авторов-искусствоведов, более 70 российских и зарубежных музеев, 2 архива литературы и искусства, владельцы частных коллекций и галерей. В процессе работы над изданием был сделан ряд научных открытий: найден ряд ранее неизвестных художников авангарда, собран материал о малоизвестных художниках. Предназначенная в первую очередь для профессионального сообщества, энциклопедия рассчитана и на широкий круг читателей, интересующихся историей русского авангарда, студентов художественных ВУЗов, любителей искусства.

"Энциклопедия русского авангарда" является первым систематическим сводом материалов по истории и теории авангардного движения России, датируемого авторами 1907-1932 годами. Это издание станет самым полным и масштабным трудом, систематизировавшим историю русского авангарда. Три тома энциклопедии (тт. I и II - биографии, т. III - История, теория) охватывают авангард в широком контексте: живопись, графику, фотографию, скульптуру, архитектуру, театр. Авторы-составители "Энциклопедии русского авангарда" - Василий Ракитин и Андрей Сарабьянов - искусствоведы, авторы ряда монографий и статей об искусстве русского авангарда. Уникальность Энциклопедии заключается в масштабе проведенной научной работы: в издании представлено более 1 500 живописных и графических работ художников из фондов Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, других музеев и частных собраний. Энциклопедия включает в себя более 1 000 статей, в работе над которыми приняли участие 169 авторов-искусствоведов, более 70 российских и зарубежных музеев, 2 архива литературы и искусства, владельцы частных коллекций и галерей. В процессе работы над изданием был сделан ряд научных открытий: найден ряд ранее неизвестных художников авангарда, собран материал о малоизвестных художниках. Предназначенная в первую очередь для профессионального сообщества, энциклопедия рассчитана и на широкий круг читателей, интересующихся историей русского авангарда, студентов художественных ВУЗов, любителей искусства.

"Энциклопедия русского авангарда" является первым систематическим сводом материалов по истории и теории авангардного движения России, датируемого авторами 1907-1932 годами. Это издание станет самым полным и масштабным трудом, систематизировавшим историю русского авангарда. Три тома энциклопедии (тт. I и II - биографии, т. III - История, теория) охватывают авангард в широком контексте: живопись, графику, фотографию, скульптуру, архитектуру, театр. Авторы-составители "Энциклопедии русского авангарда" - Василий Ракитин и Андрей Сарабьянов - искусствоведы, авторы ряда монографий и статей об искусстве русского авангарда. Уникальность Энциклопедии заключается в масштабе проведенной научной работы: в издании представлено более 1 500 живописных и графических работ художников из фондов Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, других музеев и частных собраний. Энциклопедия включает в себя более 1 000 статей, в работе над которыми приняли участие 169 авторов-искусствоведов, более 70 российских и зарубежных музеев, 2 архива литературы и искусства, владельцы частных коллекций и галерей. В процессе работы над изданием был сделан ряд научных открытий: найден ряд ранее неизвестных художников авангарда, собран материал о малоизвестных художниках. Предназначенная в первую очередь для профессионального сообщества, энциклопедия рассчитана и на широкий круг читателей, интересующихся историей русского авангарда, студентов художественных ВУЗов, любителей искусства.

Новаторская по содержанию и форме, книга «Искусство с 1900 года» уже признана вехой в истории искусства. Сто тридцать глав, выстроенные хронологически, год за годом обозревают ключевые события в искусстве — будь то создание выдающегося произведения, публикация важного текста или открытие значительной выставки, — образуя не одну, а множество историй искусства в период с 1900 года до наших дней. Углубленному анализу подвергнуты все поворотные моменты и прорывы модернизма и постмодернизма, а также антимодернистские реакции, время от времени выступавшие с альтернативными взглядами на искусство и мир.

Книга профессора Московского архитектурного института, доктора архитектуры Андрея Ефимова посвящена проблеме взаимодействия цвета и формы в искусстве 20-21-го веков. Четкий системный подход автора к истории изобразительного искусства, необходимый для анализа развития цветопространственных отношений, сочетается с увлекательным и информативным изложением материала об основных художественных течениях этого периода. Заключительный раздел издания, проиллюстрированный работами студентов МАРХИ, суммирует опыт художественных направлений в колористическом формообразовании. Книга содержит огромный иллюстративный материал и предназначена для студентов и преподавателей архитектурных, дизайнерских и художественных вузов; она полезна и тем, кто интересуется проблемами современного искусства и создания новой гармоничной среды обитания.

В издании приведена информация о 120 агитплакатных мастерских, существовавших в годы Великой Отечественной войны на территории СССР, и описано около 5000 созданных этими мастерскими плакатов

Книга известного искусствоведа В. И. Ракитина (1939-2017) состоит из двух частей. В первом томе собраны авторские тексты, во втором – воспоминания о нем. Тексты первого тома существенно расширяют представление об исследовательских интересах Василия Ракитина: от Серебряного века до шестидесятников. В целом выстраивается своеобразная история русского искусства с конца 19 века до 60-х годов 20-го. Некоторые тексты впервые публикуются по-русски, так как были напечатаны на других языках как вступительные статьи к каталогам европейских выставок. Воспоминания о Василии Ракитине его родственников, друзей, коллег, помещенные во втором томе, живо рассказывают о характере этого человека, о его семье, о его жизни в России, а затем о годах эмиграции в Германии и Франции.

Личность Александра Николаевича Бенуа поражает своим масштабом. Впервые в истории русской эстетической мысли им были обоснованы национальная самобытность и международные связи русского искусства Нового времени. Выдающийся художник и театральный деятель, он был художественным руководителем «Русских сезонов» в Париже, одним из основателей и идеологов консолидации русских художников в знаменитое объединение «Мир искусства», безусловно оказавшее серьезное влияние на развитие европейского искусства XX века, во многом определив его дальнейшее развитие. «История живописи всех времен и народов» — пожалуй, самая значительная работа Александра Николаевича по истории мирового искусства. В настоящем издании предлагается полный текст «Истории живописи всех времен и народов» в современном написании. Особую ценность изданию придает то, что богатый иллюстративный ряд, предлагаемый автором, воспроизводится с использованием современных средств обработки, частично в полном цвете. Второй том охватывает искусство периода Высокого Возрождения. Третий том охватывает Северное возрождение и подводит итоги анализа изобразительного искусства эпохи Возрождения в целом. Четвертый том охватывает европейское искусство периода XVI-XVIII вв. Для искусствоведов, культурологов, историков и всех интересующихся историей искусства.

В каталог вошло около 3500 рисунков, акварелей, живописных произведений из личных фондов ГА РФ по истории Российской империи. Этот том является продолжением вышедшего в 2012 году первого тома каталога, в который были включены авторские работы членов российской императорской фамилии. Настоящее издание содержит работы разных авторов — как известных художников, таких как А. П. Боголюбов, П. Ф. Соколов, К. П. Брюллов, Г. Г. Чернецов, М. А. Зичи, П. О. Ковалевский, так и малоизвестных и неизвестных художников-любителей. Каждое изображение снабжено описательной статьей. На большинство художников, вошедших в каталог, составлены биографические справки. Для удобства пользования каталогом к нему составлены указатели: имен художников, вошедших в каталог; имен, встречающихся в тексте; тематический; географических названий. Даны также подробные описания альбомов, наиболее часто упоминаемых в тексте, а также именной список фондов, изображения из которых вошли в каталог. Издание содержит более 300 иллюстраций.

Книга Юлии Игоревны Быковой посвящена исследованию роли частного заказа в развитии отечественной художественной культуры XVIII — начала XIX века на примере деятельности представителей одного из самых древних и знатных родов в России — князей Куракиных, члены которого достигли значительных успехов на военном и дипломатическом поприще в XVIII веке. В книге впервые рассматриваются принадлежавшие роду Куракиных произведения искусства(живописные полотна, графический материал, архитектурные комплексы и постройки, садово-парковые ландшафты, скульптура и т.д.) как примеры реализации заказа в ходе взаимодействия с мастером. Автором собран и проанализирован огромный иллюстративный материал: портреты Куракиных, изображения их усадеб, полотна из коллекций западноевропейской живописи, принадлежавших членам этой семьи и т.п., ныне хранящиеся в различных музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Твери, Орла, Саратова и других российских и зарубежных городов. Издание представляет особую ценность как для специалистов — историков искусства, музейных работников, коллекционеров, так и для широкого круга читателей.

От высоких идей до бытовых вопросов, от Вольтера до преступников — книга историков Сергея Карпа и Надежды Плавинской рассказывает о самых разных сторонах жизни Парижа эпохи Просвещения. Вся анатомия города оказывается у читателя перед глазами: речь идет не только о риторике идеологов новой мысли, но и о том, как был устроен город: о населении и сословиях, о торговых и ремесленных корпорациях, о заботах городских властей и борьбе с преступностью, модернизации и застройке Парижа, гигиене города и здоровье его обитателей, об устройстве жилых домов, о народной культуре и светском обществе, о масонских ложах и русских в Париже. И это только малая доля затронутых авторами тем. Ориентироваться в городе читателю поможет знаменитый план Парижа эпохи Просвещения — «план Тюрго» 1739 года. Целиком этот шедевр картографического искусства воспроизведен на внутренней стороне суперобложки.

Эта книга посвящена выдающемуся мастеру русской живописи XIX века Федору Григорьевичу Солнцеву (1801–1892). Прожив почти целое столетие, академик исторической живописи Ф.?Г. Солнцев проявил себя в различных областях искусства и науки. Он был религиозным и историческим живописцем, иконописцем, иллюстратором атласов и богословских книг, одним из пионеров русской реставрационной школы, а также педагогом. Издание включает исследование творческой биографии Ф.Г. Солнцева и сами его работы, характеризующие различные стороны этой яркой и многогранной творческой натуры. Настоящая монография стала последней работой кандидата исторических наук, сотрудника отдела русской культуры Государственного Эрмитажа Марины Маевны Евтушенко.

Difficult to categorize and branded as “naive”—art history had and still has a hard time with works by the great autodidacts: artists such as Henri Rousseau, Andre Bauchant, Morris Hirshfield, Bill Traylor, Alfred Wallis, or Seraphine Louis are far too often isolated in the light of an exotic primitivism, so to speak. Instead, the publication and the exhibition at the Museum Folkwang, since its founding the first museum worldwide devoted to modern art, surround their energy-laden works with key works from the modern era. It is not by chance that many of the autodidacts fascinated the established artists of today with their paintings and sculptures, and often sponsored them. From this perspective, even contemporaries such as Miroslav Tichy make a contribution to the development of art and are no longer merely its antagonists.

Готтфрид Баммес дает конкретные рекомендации по изображению человеческой фигуры и объясняет, почему так важны для художника работа с элементарными направлениями, конструктивными формами, главными объемами и архитектурная выразительность рисунка. Книга поможет научиться передавать внутренние личностные качества и внешнюю выразительность модели. Метод упрощения формы для функционального и конструктивного изображения, представленный в этом издании, позволит овладеть техникой свободного рисунка. Книга «Пластическая анатомия и визуальное выражение» — итоговая в художественно-педагогической работе Готтфрида Баммеса.

Данная книга Готтфрида Баммеса целиком и полностью посвящена такому увлекательному процессу, как создание пейзажей. Здесь, как и в учебнике по пластической анатомии для художников, в центре внимания тоже оказалась своего рода «анатомия», а именно - художественная структура ландшафта. .В своей работе Баммес объясняет основные понятия, а также дает рекомендации по выбору формата и структурированию ландшафта на два и более уровня. Автор уделяет большое внимание проработке объемов, которые, как правило, играют в пейзажах очень важную роль. При этом в качестве наглядных примеров служит множество тщательно подобранных иллюстраций по всем категориям: сад и парк, холмы и равнины, горные, водные, а также сельские, городские и индустриальные ландшафты.

Монография посвящена комплексному исследованию церковной живописи Архангельской губернии второй половины ХVIII — начала ХХ в. В книге рассказывается об истории иконописи, иконостасного искусства и монументальной живописи обширного региона России, примыкающего к Арктическому побережью, где проживали русские, ненцы, лопари, карелы, коми-зыряне. Впервые опубликованы материалы о художественных ремеслах северных городов и монастырей, основанные на письменных источниках. Изучены взаимосвязи с другими художественными центрами и регионами России. Атрибутированы и введены в научный оборот неизвестные христианские памятники. Северное искусство Нового времени представлено в конкретных лицах, как своеобразная модель художественных процессов, протекающих на окраинах России. В книгу включен Аннотированный словарь иконописцев и иконостасных мастеров, работавших на Севере, составленный автором на основе новых письменных и изобразительных источников. В нем почти тысяча имен мастеров всей России, включая Сибирь, среднерусские и даже южнорусские земли. Книгу сопровождает богатый изобразительный материал: цветные иллюстрации икон, иконостасов, стенописей, а также редкие архивные черно-белые фотографии. Монография дополнена именным, географическим и тематическим указателями. Книга предназначена искусствоведам, историкам, филологам и всем интересующимся христианским искусством и культурой Русского Севера.

Знаменитый итальянский историк искусства Витторио Згарби рассказывает об эволюции образа Христа в западноевропейском искусстве XIV–ХХ веков. Начиная с неизвестного живописца XIII века, названного Мастер из Монреале, и заканчивая известным футуристом ХХ века Джино Северини, художники были заворожены важнейшим образом традиционного искусства. Згарби анализирует и сравнивает знаменитые произведения Микеланджело, Леонардо, Пьеро делла Франческа и шедевры малоизвестных авторов, прослеживает изменение отношения европейских творцов к образу Христа в разные эпохи, рассматривает различные типы изображения: Христос Торжествующий, Христос Страдающий, Христос-Судия, Христос Мыслящий. Не забывает Згарби уделить внимание и многочисленным образам Мадонны с Младенцем.

Умудренный и воодушевленный опытом целой жизни, отданной живописи, рисованию, экспериментам с фото- и другими камерами, Хокни в компании с художественным критиком Мартином Гейфордом рассуждает о том, как и для чего создавались картины на протяжении тысячелетий. Что заставляет людей делать метки на плоской поверхности? Как в неподвижной картине представить движение — и зачем кино и телевидение обращаются к опыту живописцев прошлого? Как статичный образ на холсте или экране может вобрать в себя время и пространство? Что показывают картины: правду или ложь? Можно ли верить фотографиям? Сопоставляя самые разные изображения — кадр из диснеевского мультфильма и японскую ксилографию, сцену из фильма Эйзенштейна и полотно Веласкеса, — авторы свободно пересекают привычные границы между высокой культурой и развлечением. Проницательная и подталкивающая к размышлениям, «История картин» помогает нам лучше понять, как мы представляем себе реальность.

Не часто встречаются авторы, столь сильно любящие и глубоко понимающие предмет своей любви. Георгий Соколов, научный сотрудник Государственного Эрмитажа, историк искусства, — один из таких редких людей. Его книга, посвященная неофициальному искусству послевоенного, постблокадного Ленинграда, — это не просто размышления на тему, но еще и необычайно прочувствованный текст, прожитый, интимный, отражающий внутренний мир самого автора. Георгию Соколову блестяще удается воссоздать общую картину ленинградской неофициальной культуры через частное: это и судьбы художников объединения «Орден непродающихся живописцев» Арефьева, Васми, Шагина, Шварца, Громова и поэта Роальда Мандельштама, и рассказ о том, как художники творили, не имея возможности быть увиденными публикой. Отдельное место в книге занимает Эрмитаж — активный участник ленинградского нонконформизма. Георгий Соколов - историк культуры, искусствовед, сотрудник отдела истории русской культуры Государственного Эрмитажа, исследователь советского неофициального искусства и мирового искусства ХХ века.

В монографии исследуется пейзаж как компонент русской исторической картины 1860–1910-х годов. Кроме того, рассматриваются образцы пейзажной живописи, заключающие в себе проблематику, свойственную историческому жанру. Анализируются произведения на тему русской национальной, античной и священной (библейской) истории, а также некоторые образцы, которые можно трактовать как историческую картину на современный сюжет. Автор монографии на материале пейзажных образов реконструирует концепции Истории и Природы, лежащие в основе изучаемых произведений и определяемые отчасти эпохой их создания, отчасти индивидуальным творческим почерком отдельных мастеров живописи. Издание адресовано искусствоведам, музейным работникам и широкому кругу любителей искусства.

Сборник статей Ивана Дмитриевича Чечота посвящен различным сюжетам истории немецкого и западноевропейского искусства, а также локальным событиям современной художественной жизни. Героями этой книги стали Рембрандт и Макс Бекман, Арно Брекер и Готфрид Бенн, Отто Дикс и Кете Кольвиц, «Фауст» Гете и «Вакх» Рубенса, Борис Зернов и Тимур Новиков, Калининград-Кенигсберг и Ленинград-Петербург, Германия и Россия. Значительную часть сборника составляют переводы с немецкого трудов Готфрида Бенна, Генриха Вельфлина, а также фрагментов из книги Юлиуса Лангбена «Рембрандт как воспитатель», которые публикуются впервые.

От Каналетто до Болдини — пятая книга Витторио Згарби из серии Сокровища Италии. Оставаясь верен своей манере, автор рассказывает и об известных мастерах, таких как Тьеполо, Каналетто и Канова, и о художниках не столь прославленных, но не менее выдающихся. Беллотто, Пиранези, Де Ниттис, Сегантини, Превиати — вот лишь некоторые из пятидесяти имен, представленных в художественной галерее книги. Начиная с Венеции, Згарби ведет нас в Рим, Неаполь, затем севернее — в Тоскану и Эмилию, из второй половины XVII века к началу XX, пока мы не оказываемся в Милане, на пороге авангарда. Неподдельный интерес к каждому мастеру, живые воспоминания и доверительный тон создают ту неповторимую атмосферу общения с читателем, которую мы так ценим в книгах этого автора.

В книге искусствоведа Веры Чайковской предпринята попытка по-новому и в новом контексте «космических» и общечеловеческих исканий эпохи увидеть такое неоднозначное и до сих пор негативно оцениваемое явление, как соцреализм. Этот «большой стиль», конечно, не мог быть придуман партийной номенклатурой, которая просто воспользовалась умом, талантом, энтузиазмом замечательных художников, чтобы совершить «подмену». В первые ряды были выдвинуты художники конъюнктурного склада или обыкновенные бесталанные «троечники». Они профанировали рожденные подлинными творцами этого стиля мотивы, ритмы, смыслы и приемы. В книге раскрывается «механизм» возникшей подмены и рассматривается то уникальное, романтически окрыленное и обращенное к человеческой личности искусство, которое было создано гениальными мастерами — Петровым-Водкиным, Дейнекой, Древиным, Фальком, Тышлером, Лентуловым и др., сумевшими ярко, глубоко и искренне выразить дух эпохи. Книга, написанная в живой, полемической манере, адресована искусствоведам, культурологам и всем, кто интересуется искусством советского периода.

Издание посвящено эгейскому искусства III-II тыс. до н.э. как неповторимому явлению культуры древности. Автором последовательно рассматриваются основные вехи его развиттия, от расцвета Трои и Киклад до падения микенских цитаделей. На основе анализа образного строя, иконографии и смысловой сиситемы памятников - от дворцовых структур до расписных ваз и ювелирных изделий - выявляются особые пути мировосприятия минойского Крита и Микенской Греции и процесс формирования сложного "крито-микенского стиля" - основы будущего величия Эллады. Книга предназначена для специалистов в области истории искусства, культурологов, историков и читателей, интересующихся искусством древних цивилизаций. Текст исследования дополняет обширный иллюстративный ряд.

Монография Е.В.Яйленко представляет собой исследование искусства венецианского Возрождения, которое можно изучать лишь в тесной связи с основополагающими проявлениями духовной жизни эпохи. В работе рассмотрены произведения не только корифеев венецианского ренессансного искусства - Джованни Беллини, джорджоне, Тициана и Паоло Веронезе, - но и художников, малознакомых отечественному читателю. Автор воссоздает картину мира ренессансного человека в двух основных ее аспектах - отношение к женщине и к природе, что подразумевает обращение к широкому кругу мировоззренческих проблем. При этом живописные и графические произведения рассматриваются в тесной связи с художественной проблематикой: вопросы стиля, смыслового значения и т.д. Содержательную базу исследования образует фактический материал, почерпнутый из многочисленных исторических источников эпохи - трактатов о семейной жизни, философских сочинений о женской красоте, трудов по воспитанию, компендиумов о жизни на вилле и т.д. Они служат основой для интерпретации художественного содержания произведений искусства, предлагая своего рода реальный комментарий к ним и позволяя усмотреть в них конкретное жизненное содержание.

Эффект разорвавшейся бомбы произвела первая книга итальянского писателя и сценариста Альфредо Аккатино об аутсайдерах в искусстве, выпущенная в Италии. По крупицам собранные истории из жизни гениальных художников, долгое время остававшихся в тени, вызвали огромный интерес у читателей. Цель автора — спасение потерянного творчества и восстановление исторической справедливости. И он щедро делится своими находками. «Это те истории, которые мне самому хотелось бы услышать, рассказанные так, как мне бы хотелось их слушать. Ааутсайдеры — всегда заведомо проигравшие, их узнаешь с первого взгляда. Они рождаются, творят, любят и умирают не в том месте и не в то время. Живут словно в параллельных мирах. И вечно не потому адресу…» Почему им суждено было стать аутсайдерами, несмотря на фантастический талант? Ведь каждый из них оставил — пускай только однажды за всю жизнь — яркий след в истории, предвосхищая моду и тенденции в искусстве. Автор пытается разобраться, каким образом пересекаются жизненные пути как признанных, так и непризнанных гениев, живших и творивших в двадцати пяти странах на пяти континентах. И призывает читателя по-новому взглянуть на окружающий мир. «Они аутсайдеры, потому что им пришлось делить жизнь напополам с болезнью. Тела или души. А порой и того и другого одновременно. Это те, кому, возможно, просто не повезло, потому что они родились женщинами, а не мужчинами, в те еще суровые и консервативные времена. Или же они были не той национальности, или их угораздило жить в какой-нибудь сложный период истории. Например, в 1960-е годы, когда по-настоящему повезло только тем, кто предавался беззаботной жизни в Сен-Тропе, тогда как в остальном мире происходили то зачистки, то убийства, то оккупация территорий. Каждый день тебя обвиняли то в том, что ты еврей, то в том, что ты гей, то в том, что ты шлюха, коммунист, фашист или империалист. Они аутсайдеры, потому что они другие, часто они предвосхищали свое время, за что общество вешало на них ярлыки сумасшедших, инопланетян, странных личностей. И только историки искусства, далекие от мейнстрима, и коллекционеры с чутким нюхом знали об их существовании. Широкая публика — никогда, массе они были не интересны. Они аутсайдеры, потому что отказывались бороться или пренебрегали неписаными законами рынка, чтобы продолжать в одиночестве свои собственные исследования, пока не исчезали с лица земли. Наконец, они аутсайдеры, потому что не смогли смириться с конформизмом, пережить войны XX века, расовые, культурные и политические гонения, погромы, убийства, моду на наркотики и чрезмерную любовь к крайностям представителей поколения битников.» Из предисловия к книге «Таланты без поклонников. Аутсайдеры в искусстве»

Эта книга посвящена двенадцати еврейским художникам, пережившим Холокост. Все они спаслись и прожили многие десятилетия после окончания Второй мировой войны. Каждый из героев этой книги продолжал творить на протяжении, как минимум, четверти века после ее окончания, и все они доказали своим искусством, что нацизм не смог их сломить. Какие бы ужасы им ни пришлось пережить, их не покидали жажда жизни и дух творчества, но не считать их жертвами Холокоста невозможно. Еврейское общество поощрения художеств видело своей целью рассказать об этих выдающихся художниках – преимущественно выходцах из Российской империи, большинство из которых получило известность лишь в странах, куда они вынуждены были эмигрировать или где они закончили свой жизненный путь. Настоящая книга представляет еврейских художников, творчество которых развивалось на стыке традиций постимпрессионизма и экспрессионизма.

Книга Ольги Сергеевны Давыдовой посвящена исследованию визуальной поэтики искусства модерна в России, истокам и особенностям формирования художественной иконографии, ставшей воплощением символистского мировоззрения эпохи. Опираясь на особенности интерпретации художниками рубежа 19–20 столетий лейтмотива сада (парка) как прообраза идеального и индивидуального пространства мечты, автор позволяет увидеть в символизме кульминационную стадию проявления романтических тенденций, набиравших силу с конца 18 века. Многие работы в монографии публикуются впервые. Книга будет интересна не только специалистам, но и широкому кругу читателей. Давыдова Ольга Сергеевна — кандидат искусствоведения, старший научный сотрудник Научно-исследовательского института теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств, член АИС и AICA. Специализируется в области изучения искусства 19–21 веков. Автор научных и популярных книг, альбомов и публикаций по искусству романтизма, символизма, авангарда и современному искусству. Живет и работает в Москве.

XX век - век быстро и кардинально меняющейся картины мира, когда классические представления уступали место неклассическим и постнеклассическим. Так случилось, что именно физика (атомная) и искусство (прежде всего живопись авангарда) нередко оказывались на пике новаторских достижений, дерзко порывающих с традицией. В книге исследованы глубинные связи науки и искусства, те открытия в науке, что застрагивают всеобщие законы мироздания, а значит не чужды и искусству. Автор книги - Светлана Петровна Батракова (1929-2017) - один из самых авторитетных отечественных исследователей, специализирующихся в вопросах эстетики, истории и теории искусства XX века. Настоящее издание подводит итог ее многолетним исследованиям, посвященным проблемам взаимодействия искусства, науки и философии.

В новом очерке Владимир Кричевский всматривается в работы Владимира Андреевича Фаворского (1886?1964) и его учеников с необычной точки зрения — он пытается разобраться в том, почему гравюры выдающегося художника и преподавателя ВХУТЕМАСа так «привлекательны и отталкивающи» одновременно. Фаворский известен графической школой с мощной теоретической базой. В 1923 году художник возглавил ВХУТЕМАС, и полиграфический факультет легендарной школы превратился, по сути, в дальний остров, вокруг которого Владимир Андреевич вместе с другими педагогами факультета выстроил крепкую оборону от типографического конструктивизма. Революционный натиск Родченко, Гана и Маяковского разбивался о собственную теорию Фаворского, созданную под влиянием учёного и религиозного философа Павла Флоренского, педагогические методики которого ещё ждут исследования. Вслед за Флоренским Владимир Фаворский исследует глубокую символику белого и чёрного пространства листа, композиционных построений, разных по стилю шрифтов. Такая трактовка графической дисциплины оказывается, с сегодняшней точки зрения, чуть ли не революционнее идей конструктивистов, во всяком случае глубже, интереснее многих из них. Не углубляясь в философский анализ и обобщения, Владимир Кричевский показывает великолепную коллекцию экспрессивных надписей, титулов, обложек и подробно анализирует «фаворский» шрифт. Псевдоантиква, созданная и развитая Фаворским в ксилогравюре, была подхвачена учениками мастера почти без изменений и это ещё один яркий сюжет книги Владимира Кричевского.

Зоолог, этолог и последний из ныне живущих художников-сюрреалистов Десмонд Моррис объединил в этой книге две стороны своего опыта — науку и искусство. Рассказывая о том, как возникли и какие значения приобретали на протяжении истории различные жесты и позы, он посвящает читателя в захватывающие тайны художественных произведений. Автор анализирует, почему Наполеон позировал для парадных портретов, заложив правую руку за лацкан мундира, и почему рыцарь на полотне Эль Греко прижимает к груди ладонь, отставив в стороны указательный палец и мизинец. Множество приводимых автором примеров из визуальной культуры — от первобытных антропоморфных фигурок до современных граффити — заставляют по-новому взглянуть на историю искусства.

Почему улыбка Моны Лизы кажется такой загадочной, поле маков у Клода Моне колышется на ветру, а на картине Пита Мондриана «Буги-вуги на Бродвее» «мерцают» огни? Книга Маргарет Ливингстон, нейробиолога из Гарварда, стала важнейшим исследованием того, как восприятие искусства связано с особенностями человеческого зрения, и завоевала огромную популярность у западного читателя. Вы узнаете о том, как работает наша зрительная система в связи с восприятием произведений изобразительного искусства, причем речь пойдет не только о традиционном искусстве (картинах великих художников), но и о компьютерной графике, изображениях на телеэкранах, о рекламе и графическом дизайне, о фотографии, об оптических иллюзиях и визуальных эффектах. В последней главе затронута проблематика дислексии, трудностей в обучении, музыки и таланта сквозь призму темы зрения.

Книга "Искусство непослушания" представляет собой собрание коротких очерков ("бесед"), написанных в живой и доступной форме и посвященных творчеству крупнейших художников и писателей Запада и России.

Сергей Щукин и его братья могли бы стать героями телевизионного сериала, охватывающего не только целое столетие бурной российской истории, но и европейскую художественную революцию конца XIX — начала XX века. Биограф Сергея Щукина, историк искусства Наталия Семенова более 30 лет посвятила своему герою. В новой биографии Сергея Ивановича, написанной при участии его внука Андре-Марка Делок-Фурко, автор рассказывает о «феномене купеческого сына Щукина», страстно увлекшегося новым искусством задолго до того, как оно было оценено и понято миром. Грандиозная Щукинская коллекция была разделена между Эрмитажем и ГМИИ им. А. С. Пушкина. Имя человека, открывшего России Сезанна, Гогена, Матисса и Пикассо, на долгие годы было предано забвению. Впервые под именем Сергея Щукина картины воссоединились только в 2016 году в Париже на выставке в фонде Louis Vuitton, которую посетило рекордное количество зрителей — 1 205 063 человека! Открывающаяся летом 2019 года в ГМИИ им. А. С. Пушкина в Москве выставка «Щукин. Биография коллекции», кураторами которой выступили внук Щукина и автор этой книги, — реальное свидетельство окончательного возвращения из небытия имени великого коллекционера.

Издание адресовано широкому кругу читателей, особенно интересно оно будет любителям мировой живописи, интересующимся глубинными связями искусства и религии. Тексты проиллюстрированы изумительными работами мастеров живописи, а высокое качество печати позволяет передать все цвета максимально близко к оригиналам. Потрясающе красиво изданная книга станет чудесным подарком друзьям и близким, ценным дополнением домашней библиотеки.

Новая книга известного петербургского культуролога П. А. Сапронова посвящена ключевому аспекту в многовековом развитии западноевропейской живописи - становлению и последующей деградации живописного образа человека. Автор согласен с общепринятой мыслью, что развитие этого образа происходит прежде всего за счет нарастающей секуляризации культуры, но уверен, что для его полного воплощения была необходима еще и соотнесенность человеческого с Богом, вовсе не обязательно предполагающая буквальное присутствие последнего на картине. Когда же Бог в произведениях живописи начинает ощущаться все меньше и меньше, "расчеловечиванию" подвергается и сам человек, образ которого постепенно превращается в мнимость, замещаясь реалиями до- и внечеловеческими. Следование за нестандартным и свежим прочтением П. А. Сапроновым давно знакомых и, казалось бы, досконально известных классических полотен доставит истинное наслаждение как специалистам - искусствоведам и культурологам, так и широкому кругу образованных читателей, позволив им взглянуть на многие из этих творений под абсолютно новым углом зрения.

Я знаю такого художника — это восемьдесят четыре очерка о выдающихся художниках XIX–XXI веков, оказавших решающее влияние на ход истории искусства. А еще это история неожиданных встреч и удивительных пересечений судеб. Одних художников — например, Пауля Клее и Анни Альберс — связывали отношения преподавателя и студента, других, как Джексона Поллока и Ли Краснер, — любовь и супружество, третьих — общий источник вдохновения, как, например, цветы в творчестве Джорджии О’Кифф и Такаси Мураками. Рассказывая о жизни своих героев и их творческих достижениях, Сьюзи Ходж разматывает клубок жизненных и художественных обстоятельств, стоящих за появлением шедевров. Одни из этих обстоятельств известны больше, другие — меньше, и часто они разнесены между собой во времени и пространстве. Я знаю такого художника — это сборник познавательных и увлекательных историй о выдающихся провидцах мира искусства, дополненный цветными иллюстрациями, которые перекликаются с неповторимыми стилями героев.

Гений Возрождения, великий ученый и изобретатель, мастер психологической живописи и аналитического рисунка Леонардо да Винчи стремился понять суть явлений вселенной, «явить невидимое». И хотя он умер 500 лет назад, его личность по-прежнему овеяна ореолом мифов и легенд. Алессандро Веццози, эксперт мирового уровня, крупнейший знаток творчества Леонардо, помогает увидеть его работы по-новому. Анализируя рукописи, рисунки и документы, созданные великим итальянским художником, автор представляет основные этапы жизни мастера и показывает их влияние на его художественные, научные и технические изыскания. Да Винчи предстает перед нами как творец и исследователь, не знающий ограничений в своих попытках «передать гармонию всех пропорций природы» с помощью искусства. Эта книга из новой серии «Биография искусства» дает всесторонний обзор наследия художника — от «Поклонения волхвов» до «Джоконды», а также включает работы его учеников и последователей, этюды, заметки, письма, карты, инженерные и архитектурные проекты да Винчи. Это более двух сотен иллюстраций.

Учебное пособие поможет студенту овладеть основными приемами работы с художественным произведением. В книге также даны рекомендации по проведению семинаров по истории изобразительного искусства, по формированию методического фонда специалиста, по организации системы контроля и проверки полученных знаний. Пособие содержит полную программу семинарских и аудиторных занятий по всей истории изобразительного искусства и архитектуры, включая задания, перечень основных памятников, литературу, методические указания для самостоятельной работы. .Предназначено для студентов и преподавателей художественных факультетов.

Первое издание избранных работ об искусстве Рауля Хаусмана (1886–1971), одного из зачинателей дада в Берлине. В сборник вошли манифесты и статьи, написанные им в Германии (1918–1932), а затем во Франции (1946–1970). В приложениях – стихи Хаусмана, его переписка с Ги Дебором, посвящённое ему стихотворение Ильязда (И. Зданевича) и др. материалы.

Классический труд английского историка искусства Герберта Рида (1893–1968), впервые опубликованный по-английски в 1959 году и с тех пор регулярно переиздающийся по всему миру, обозревает основные направления и тенденции европейской и американской живописи конца XIX–XX века. Доведенный автором до 1950-х годов, впоследствии он был дополнен главой, посвященной развитию живописного искусства в следующем десятилетии и публикуемой в русском переводе впервые. Издание адресовано искусствоведам, культурологам и всем, интересующимся историей искусства и культуры XX века.

Сам Тимофеевский говорит о ней так: «Складываю сейчас из фейсбука другую книгу, читаю тексты, написанные за пять лет, и вижу, как аукнулись в них „Записки у изголовья“. Великие записки, любимая Сэй Сенагон. Вся юность с ней связана, а нынче ее, боюсь, не знают. Какое там „нынче“ — двадцать лет назад Гринуэй сделал экранизацию „Записок“, и ничего о них не слышавшие переводчики обозвали Pillow book „Книжкой-подушкой“. Потом исправились, но я своими глазами видел это дурацкое чудесное название. Оно, в самом деле, удачное — потому, что дачное, мы читали „Записки“ в пору пятой луны, когда льют дожди, и в спутанных ветках деревьев вдруг прозвучит кукушка, ее волнующий сердце голос. Книжка у изголовья, с которой засыпаешь, она и есть подушка, книжка-подушка с Подушкинского шоссе, мокрая и жаркой охрой покрытая — куда ж без этого». Книга издана с двумя обложками, с «Сатиром в гостях у крестьянина» Николы Самонова или его же «Нахождением Моисея». Издания отличаются лишь обложками, текст идентичный.

Монография представляет собой первое всестороннее исследование истории монументально-декоративного рельефа 1920-1930-х годов в СССР. Задачей автора стал анализ эволюции этого традиционного типа скульптуры в контексте модернистской трактовки образности архитектурных зданий. Идеологическая программа 20 века во многом была связана с пониманием прогрессивной архитектуры как безорнаментальной, поэтому факт директивного введения скульптуры в архитектуру 1930-х годов в СССР до сих пор является исторической и методологической проблемой. Для понимания в книге рассмотрены обстоятельства формирования современного представления о монументально-декоративном искусстве и его роли в городской среде. Особое место в издании занимают "Материалы к биографиям скульпторов", справочные статьи которых основаны на неизданных до сих пор архивных материалах, собранных в 1920-1930-е годы историком отечественной скульптуры Б.Н.Терновцом, а также в 1960-2010-е годы научным сотрудником Отдела словаря художников НИИ РАХ Л.Л.Макоед. Результаты многолетнего исследования автора, опубликованные в книге, призваны показать разнообразие регулирования творческого труда советских художников. . .Монография представляет интерес для широкого круга специалистов: историков искусства и архитектуры, историков, культурологов, а также для всех читателей, интересующихся культурой и искусством СССР.

Антология манифестов, деклараций и трактатов сюрреалистов разных стран, охватывающая почти столетний период. Это направление мысли, известное в России в основном по литературным или живописным работам, здесь предстаёт в своей главной ипостаси – социально-политической, как революционное учение о преобразовании мира. Большинство текстов переведено впервые для настоящего издания. Книга содержит подробный комментарий, в ней более 60 документальных иллюстраций.

Книга посвящена истории восприятия античной статуарной пластики в Новое время. Эта история прослеживается в книге на примере пяти античных статуй: Аполлон Бельведерский, Венера Медицейская, Лаокоон и его сыновья, Флора Фарнезе, Геркулес Фарнезе. Они оставались наиболее известными и особенно высоко ценимыми, начиная с эпохи Возрождения, когда были найдены, и до XIX века, когда слава их стала меркнуть под влиянием обновленных представлений об античной классике, обусловленных тогдашними достижениями античной археологии, а также углубленной эстетической рефлексией в области философии. Новизна подхода к материалу состоит, прежде всего, в учете тектонической специфики новоевропейского восприятия античной скульптуры, что позволило автору выявить принципиальную неадекватность этого видения своему предмету, который в воображении зрителя подвергался последовательной дематериализации и спиритуализации. В книге рассматриваются изобразительные интерпретации античных статуй, анализируются разнообразные тексты, написанные как учеными знатоками, так и любителями искусства; многие из этих текстов впервые вводятся в научный оборот. Издание адресовано искусствоведам, историкам, культурологам и всем, кого интересуют судьбы античного художественного наследия в культуре послеантичной Европы.

Книга Даниэля Алькуфа – главного хранителя отдела прикладного искусства Лувра и реставратора-практика, представляет собой сумму опыта и принципов реставрации старинной мебели. Практические рекомендации (и предостережения), изложенные в этой небольшой работе, проиллюстрированные схемами и фотографиями, могут стать ценным практическим и теоретическим пособием для реставраторов и сотрудников музеев.

Монография освещает жизнь и творчество замечательного художника середины XVIII века М.И. Махаева (1717-1770)), первого русского рисовальщика. В книге подробно рассмотрены известные виды Петербурга и «проспекты» Москвы, гравированные по оригиналам Махаева, а также его сохранившиеся рисунки. Графическое творчество художника соотнесено с образцами городского пейзажа его европейских современников. На основании архивных документов проанализирован метод работы художника, воссозданы черты его характера. Личность и разностороннее творчество мастера показаны на фоне русской художественной жизни XVIII века. Книга рассчитана на искусствоведов, историков архитектуры и широкий круг читателей, интересующихся прошлым русской культуры.

Энциклопедический словарь сюрреализма - первое в России научное издание, освещающее одно из самых значительных литературно-художественных движений XX века в Европе (включая Россию), Америке, Африке. Словарные статьи, написанные ведущими литературоведами, искусствоведами и теоретиками культуры из России, Франции, Канады, дают системный обзор эволюции сюрреализма от момента возникновения до хронологических рубежей второй половины XX века, когда прозвучали обобщающие выводы крупнейших мастеров культуры столетия, определявших значимую роль сюрреалистической поэтики в становлении художественного языка современности. В Словарь включены статьи шести типов - монографические статьи, посвященные творчеству художников разных стран и континентов; обзорные статьи, обобщающие соответствующие процессы в отдельных странах или регионах; статьи о группах и печатных изданиях, связанных с инициативами сюрреализма; статьи о самых значимых программных художественных произведениях; статьи о функционировании сюрреализма в отдельных видах искусства (живопись, музыка); и наконец, статьи, интерпретирующие важнейшие теоретические понятия, образующие систему сюрреалистической поэтики. Энциклопедический словарь сюрреализма предназначен для специалистов по истории и теории литературы, искусства и культуры XX века, преподавателей и студентов вузов, а также может привлечь внимание широкого круга гуманитариев, интересующихся культурой XX столетия.

В книге «Положение мертвых» Владислав Софронов разбирает парадоксальную на первый взгляд идею — воскрешение прошлых поколений. Мысль о телесном воскрешении с помощью научного метода впервые громко была озвучена космистом Николаем Федоровым в труде «Философия общего дела». Но он — не единственный источник для Софронова. Не менее важными для развития этических предпосылок этой идеи являются тексты Вальтера Беньямина и его «активистское» понимание прошлого, согласно которому возможно если не буквальное возрождение предков, то «взлом» и изменение истории. Последние главы книги «Положение мертвых» посвящены теории «овладения временем» Валериана Муравьева и философии Эвальда Ильенкова. Каждый из них видел «всеобщее воскресительное дело» не с религиозно-мистической точки зрения, а в перспективе реальной научной задачи человечества. Вечную надежду о победе над смертью принято относить к мифическому мировоззрению, и вопрос, можно ли усмотреть в ней рациональное зерно и включить в материалистическую картину, становится для автора одним из центральных. Владислав Софронов (р. 1967) — философ, независимый исследователь, переводчик.

В центре внимания данной книги - коммуникативный бум, начавшийся на рубеже XIX-XX вв. и обернувшийся продолжающейся и по сей день серьезной трансформацией культуры. Средства массовой коммуникации превратили в публику все группы и слои общества, что привело к нарушению сложившихся в культуре отношений между образовавшейся в элитарной среде постоянной, с одной стороны, и случайной, не приобщенной к искусству публикой, с другой. Если постоянная публика-активный субъект истории искусства и творец культуры, то случайная публика пассивна, и ее потребности и вкусы находятся за пределами утвердившихся в истории культуры ценностей. Автор предлагает исследовать ее в ракурсе психологии масс. Лидерство случайной публики в искусстве имело своим следствием возникновение и эскалацию массовой культуры, т.е. культурную катастрофу, остающуюся не преодоленной до сих пор. Автор фиксирует позитивную роль постоянной публики как транслятора культурных норм и установок. Постоянная публика это активное звено художественного процесса, и ее исчезновение приводит к понижению уровня культуры. Создавшаяся ситуация особенно характерна для переходных эпох, к каким относится и рубеж XX-XXI вв. Уделяя внимание генезису переходной ситуации и связанным с ней трансформациям в истории публики, автор находит проблемные узлы культурной политики государства на поздних этапах истории искусства и культуры, пытаясь их осмыслить. Исследуя социологический, социально-психологический и исторические аспекты публики, автор предпринимает также ее культурологическую интерпретацию, превращая публику в объект исследования теории и истории культуры. Книга предназначена для культурологов, искусствоведов, историков, философов и всех, кто интересуется вопросами культуры.

Книга «Генеалогия эксцентриков: от Матабэя до Куниёси», впервые опубликованная в 1970 году, открыла японским читателям ранее неизвестных японских живописцев эпохи Эдо. В центре повествования шесть имен: Иваса Матабэй, Кано Сансэцу, Ито Дзякутю, Сога Сёхаку, Нагасава Росэцу и Утагава Куниёси. Эти художники, ведущие «эксцентричный» образ жизни, демонстрировали авангардность в своих работах, но их долго считали лишь «еретиками» в истории японского искусства. Описывая в достаточно вольной манере биографии шести выбранных живописцев, Нобуо Цудзи прослеживает генеалогию художников дореволюционной Японии, склонных к экспрессионизму, особенностью работ которых было создание эксцентричных и фантастических образов. Книга, неоднократно переизданная, привлекла к забытым именам живописцев и их работам внимание не только в Японии, но и на Западе. А также повлияла на поздние работы известного японского современного художника Такаси Мураками, назвавшего «Генеалогию эксцентриков» книгой, подобной Библии.

Полный кричащих красок, броских образов и искрометной иронии, поп-арт прорвал традиционные границы высокой и низкой культуры. Флавия Фриджери знакомит читателя с этим примирившим искусство с повседневностью направлением, прослеживая его историю от зарождения потребительского мира в послевоенных США и Великобритании до утверждения консюмеризма по всему миру в 1960-х годах. Наряду с творчеством таких прославленных художников, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Ричард Гамильтон или Питер Блейк, в книге рассматриваются произведения менее известных поп-артистов разных стран: японца Юсио Синохары, венесуэлки Марисоль, аргентинки Марты Минухин и др. Организованная вокруг основных тем поп-арта — рекламы, политики, знаменитостей, товаров и магазинов, войны, космоса и т. д., — книга увлекательно рассказывает о том, как поп-арт претворял «популярную» культуру в искусство. Справочное приложение содержит «линию времени» — краткий наглядный свод ключевых событий эпохи, глоссарий некоторых терминов поп-арта, перечень дополнительной литературы и указатель. «Это превосходное введение в глобальный феномен поп-арта. Анализируя произведения множества художников со всего мира, Флавия Фриджери в сжатой, но вместе с тем основательной и непринужденной форме представляет это ключевое для второй половины XX века художественное направление». Николас Каллинан, директор Национальной Портретной галереи, Лондон

Один из величайших живописцев в истории западного искусства, непревзойденный мастер рисунка и офорта, Рембрандт остается загадкой: никто пока не смог объяснить, за счет чего ему удавалось с такой непринужденной точностью запечатлевать духовную сущность своих моделей. Глубокая, проницательная и в то же время доступная книга, написанная известным исследователем и переводчиком Майклом Тейлором, будет интересна как специалистам по творчеству Рембрандта, так и всем интересующимся его наследием и биографией. Пристально вглядываясь в портреты и автопортреты голландского мастера, в его исторические и библейские композиции, автор пытается понять, что делает представленных на этих картинах и графических листах людей такими живыми, полными внутренней энергии, прорывающейся всюду — даже в такой, казалось бы, малозначительной детали, как изображение их носов. «Нос Рембрандта» — редкая находка: это искренний, доверительный и необычайно увлекательный диалог с произведениями, полный колоритных исторических подробностей, которые позволяют нам соприкоснуться с мыслью и живописью великого художника, жившего четыре века назад. Текст дополняют 49 иллюстраций и развернутая хроника жизни и творчества Рембрандта.

Кэти — писательница. Кэти выходит замуж. Это лето 2017 года и мир рушится. Оливия Лэнг превращает свой первый роман в потрясающий, смешной и грубый рассказ о любви во время апокалипсиса. Словно «Прощай, Берлин» XXI века, «Crudo» описывает неспокойное лето 2017 года в реальном времени с точки зрения боящейся обязательств Кэти Акер, а может, и не Кэти Акер. В крайне дорогом тосканском отеле и парализованной Брекситом Великобритании, пытаясь привыкнуть к браку, Кэти проводит первое лето своего четвертого десятка. Но меняется не только она. Политический, социальный и природный ландшафты — всё находится в опасности. Растет фашизм, правда умерла, а планета накалена. Стоит ли вообще учиться любить, когда конец света так близок? И как творить, не говоря уже о том, как жить, если один злобный твит может всему положить конец.

"Наивное" искусство было поставлено "вне закона" среди других, законных и вполне респектабельных направлений. За ним утвердилась репутация некоего отклонения от современной художественной нормы или в лучшем случае простой диковинки, заслуживающей не более чем любопытства со стороны зрителей. Пора, однако, воздать должное этому замечательному творению человеческого гения, созданному людьми для людей в стремлении разделить с другими полученный опыт жизни. Оно должно быть поставлено в один ряд с лучшими произведениями уже узаконенного и всеми поддерживаемого академического искусства. Альбом содержит 40 полностраничных репродукций картин художников-примитивистов, хранящихся в музеях Парижа, Лондона, Чикаго, Оксфорда, Кембриджа, Цюриха, Нью-Йорка, Базеля, Загреба, Филадельфии, Вашингтона и других городов, а также в частных собраниях. Шедевры примитивистов, представленные в альбоме, лучше любой теории дадут представление о радости общения с этим жизнеутверждающим творчеством.

Как изменился культурный ландшафт после появления глобального супермаркета? Что произошло с современным искусством после Энди Уорхола, с поп-музыкой — после Nirvana и MTV, с кино — после «Звездных войн»? И так ли важны сегодня, когда лейбл на вашей майке ценнее ее фасона, старые понятия вкуса и стиля? Ответы на эти вопросы предлагает в своей книге Джон Сибрук, колумнист журналов The New Yorker, Harper’s Bazaar, GQ, Vanity Fair, Vogue, а также газеты The Village Voice. Его исследование — путеводитель по современной культуре, в которой информационный шум оказывается важнее самого события, качество равно актуальности, и уже никто не в состоянии отделить продукт от его позиционирования, а культурную ценность — от рыночной стоимости. Добро пожаловать в мир Nobrow — мир, в котором вы уже давно живете, хотя и боитесь себе в этом признаться!

Аннотированный хронологический указатель содержания знаменитого петербургского журнала "Аполлон" (1909-1917) охватывает публикации всех номеров, выпущенных в свет. В журнале были напечатаны статьи по истории и теории русского и европейского изобразительного ис-кусства, архитектуры, литературы, музыки. Регулярно публиковалась летопись событий культурной жизни России и за рубежом. Помимо материалов, посвященных творчеству мастеров, вошедших в историю мировой культуры, на страницах издания освещалось творчество молодых талантливых авторов. Многие из них начали свой уверенный путь в искусстве именно благодаря журналу "Аполлон" и его редактору-издателю С.К.Маковскому (1877-1962). В оформлении издания использованы графические произведения, созданные для журнала "Аполлон" Л.С.Бакстом, М.В.Добужинским, Д.И.Митрохиным, В.Н.Левитским, С.В.Чехониным и др. Роспись снабжена указателем имен.

Английским влияниям в русском искусстве рубежа XIX-XX веков никогда не уделялось слишком много исследовательского внимания - в отличие от влияний французских или немецких. Книга Екатерины Вязовой в значительной мере восполняет этот пробел. Автор подробнейшим образом фиксирует и анализирует "следы" английской культуры в Петербурге и в Москве, выстраивая увлекательную историю взаимных созвучий, влечений и встреч.

Антрополог Сета Лоу в течение 25 лет исследовала две площади в столице Коста-Рики Сан-Хосе — их повседневную жизнь, историю и архитектуру, — чтобы разобраться, как устроены общественные пространства и как их используют горожане. По мнению Лоу, их главная социальная функция связана вовсе не с городским досугом и предписанными развлечениями, а с сохранением культурного разнообразия и демократической политикой.